Una conversación entre dos personas que, parece, han quedado por primera vez. Unas preguntas algo impertinentes, un ambiente acogedor y una historia de por medio. Y de fondo, muy muy de fondo, Nespresso. Ellos han patrocinando este pequeño cortometraje, simplemente poniendo una taza de café entre los personajes y remarcando la idea de que “los sabores y los aromas tienen el poder de rememorar imágenes y recuerdos“. De esta manera sutil la marca ha hecho un video muy bien realizado, bien producido y con una historia que llena. No es un simple comercial que dice explícitamente lo rico que huele y sabe el nuevo sabor de Albaricoque.

En Riot Cinema siempre hemos pensado que es esta la clase de publicidad que las marcas deberían de fomentar más puesto que acercan su marca al cliente de una manera cercana, real, y muy amable. Además, como creadores de publicidad, esta narrativa marketiniana es la que más queremos hacer ya que, con anuncios como este, se consigue acercar el cine al ámbito publicitario.

Los costes de realización pueden ser exactamente los mismos para la marca que un spot convencional. Y si el discurso del comercial quiere tocar los corazoncitos de los futuros consumidores y/o clientes de lo que se quiere anunciar, una historia narrativa, una semi-ficción, llega más a esos posibles clientes que un comercial típico. Pero son pocas las marcas que realmente se atreven a hacer algo así. Una pena.

Dicen que los clásicos nunca pasan de moda porque nunca la siguieron. La vigencia estética (toma palabro) y la modernidad del SK5 Phonosuper son algo incuestionable. Diseñado por el gran Dieter Rams (que imprimió en él cada una de sus 10 reglas del buen diseño), es un tocadiscos de una belleza excepcional.

Vamos a comprarlo para un breve rodaje y nos gustaría que después fuese a vivir con un alguien que supiera apreciarlo. Es uno de los varios que tiene la colección Das Programm de UK, que los lleva de gira por museos y exposiciones. Su precio de mercado es de 720 libras con gastos de envío incluídos (860 euros). Nosotros te lo vendemos por 660.

Además de ahorrarte 200 euros y todo el engorro de la paquetería (puedes recogerlo en nuestro estudio de Madrid centro) te lo entregaremos más bonito aún, porque le daremos un repasito para que brille ante nuestras cámaras. En perfecto estado y por supuesto, funcionando.

Contacta con nosotros en hola@riotcinema.com y te contestaremos al instante :)

http://klezinski.com
http://callumcooper.com
http://johnkassab.com

Full Circle is the first fashion film for new London / Melbourne label Klezinski. This film is a creative collaboration between film-maker Callum Cooper, sound artist John Kassab and Klezinski.

SXSW es, a día de hoy, el festival de cine independiente más importante de Estados Unidos (algunos piensan que Sundance todavía ostenta ese honor, otros pensamos que Sundance es una cosa muy de los 90 que debe renovarse).

En el de este año se hizo un panel sobre cine independiente con directores de fotografía y la genial revista Filmmaker Magazine ha hecho un resumen de 10 puntos que nos ha parecido importante resumiros y comentar. Aquí vamos:

1. Deja que la cámara cree la atmósfera. La revolución de las DSLRs no ha venido solamente en el ámbito de la luz, de las ópticas y de la rapidez, también del tamaño. Con cámaras tan pequeñas se pueden hacer rodajes mucho más reducidos, en espacios diferentes y crear un ambiente mucho más íntimo. Intimidan menos a los actores y se puede rodar con varias a la vez sin que se molesten unas a otras. Todo esto ha sido clave para el rodaje de nuestro largometraje y gracias a lo cual pudimos rodar una peli tan ambiciosa en unos tiempos tan ajustados y con tantas localizaciones como tuvimos.

2. Las lentes son la clave. Busca un buen director de fotografía que las conozca bien e invierte en tener buenas lentes. Usa la que necesites en cada momento aunque sean de diferente marca pero intenta darle una uniformidad a la película. En cualquier caso, después del impass de varios años del cine digital en el que todo se parecía bastante a la televisión, el cine ha vuelto. Conocer que efecto narrativo produce cada objetivo con sus variantes de apertura de diafragma y obturador es una de las tareas más importantes para un director.

3. Localización. Localización. Localización. Si no tienes dinero para tener mucho equipo de iluminación ni de cámara, escoger una localización adecuada, que tenga ya de por si una atmósfera, que cuente algo, que te permita añadirle capas a la historia, es casi el 50% de la película. Tarkovski hablaba mucho de la importancia de crear la atmósfera adecuada en el set porque todo eso se transmitía después a través de los actores y los técnicos al negativo. Es una de las razones por las que decidí rodar en Letonia y Rusia en lugar de en España y creo firmemente que es lo que ha hecho que la película luzca lo bien que luce, que sea 100% creíble. No importa cuanto tiempo pierdas localizando o cuanto gastes en un location scouter, merecerá la pena.

4. Tira neutro. Este consejo dado por PJ Raval, que se refiere a rodar de la forma más neutra posible para tener más opciones después en postproducción es uno de los pocos con los que estamos solo parcialmente de acuerdo. Mi director de fotografía Luis Enrique y yo decidimos buscar un look bastante final en cámara, y dejar lo menos posible para la postproducción. En parte debido a que rodábamos con 5D y 1D, que tienen menos rango a la hora de postproducir y etalonar, en parte porque sentimos que la magia que se crea en un set dificilmente es igualable a lo que se experimenta en una sala de edición, por lo que queríamos dejar que la imagen se empapara de lo que sentíamos en esos momentos respecto a la luz, nuestro estado de ánimo y nuestro entorno. (Por otro lado, el siguiente consejo de Clay Lifford es exactamente el opuesto y viene a decir lo mismo que nosotros).

5. Abraza tus limitaciones. Que viene a ser lo mismo que el clásico: Si no puedes con tu enemigo, únete a él. Es, creo, el consejo que todo director y DOP debe tener en mente una y otra vez, y no solo aplicarlo a su trabajo sino intentar que su equipo lo comprenda también. En El Cosmonauta, por ejemplo, teníamos una limitación de presupuesto acusada, lo cual limitaba las posibilidades del equipo de arte, de la posible iluminación y del vestuario. Una de las principales decisiones que tomamos fue tirar todos los interiores con focales largas (nunca menos de un 50mm y normalmente de un 85mm en adelante). El resultado es espectacular y cinematográfico y en casi ningún momento se nota la falta de medios.

6. Keep it simple. Bresson, al que considero el mejor teórico del cine que haya existido, tiene una frase de su “Notas sobre el cinematógrafo” que yo llevaba impresa en el bolsillo cada día del rodaje: “La facultad de hacer buen uso de mis medios disminuye cuando su número aumenta”. Focaliza tu atención en un problema a la vez y dedícale el 100% de la atención. Intenta reducir los problemas a la mínima cantidad posible. Ponte las cosas fáciles todo lo que puedas para poder hacer mejor las que tienes que hacer. Que las circunstancias no te sobrepasen. Este consejo en concreto es fruto de la experiencia de EC. Nos planteamos una película muy muy ambiciosa (rodada en otro idioma, durante 11 semanas a pesar de tener una décima parte del presupuesto de una película convencional, con más de 80 localizaciones diferentes, secuencias con decenas de figurantes, de ciencia ficción… y siendo nuestro primer largometraje). Por suerte, todo salió a la perfección gracias al equipo, pero podría haber sido un desastre también. El esfuerzo y el riesgo merecieron la pena, pero hay que tener cuidado e intentar pisar sobre seguro todo lo que se pueda.

7. Y añado un último consejo de cosecha propia: No tengas miedo.

No tengas miedo a equivocarte. A fallar. A no hacerlo perfecto. A que tu primera película no sea una obra maestra. A no saber algo. A descubrirlo por el camino. A cambiar tu camino si hace falta. Todo eso es parte del proceso de crear y es así como surgen películas memorables. Cuando lo incierto se concreta. Eso sí, intenta rodearte de gente que te apoye en esa montaña rusa emocional que es hacer un largometraje y no te dejes arrastrar por la técnica. Por el “pero es que en el cine se hace así”. Confía en tu instinto y no tengas miedo.